José Luis Guerín reflexiona sobre las poéticas del espacio

El cineasta José Luis Guerín durante la primera sesión de su taller en el LAVA (Valladolid). Foto: L. Fraile.

El cineasta José Luis Guerín durante la primera sesión de su taller en el LAVA (Valladolid). Foto: L. Fraile.

El cineasta catalán ha comenzado a impartir en Valladolid este lunes, 21 de octubre, el taller ‘Poéticas del espacio en la arquitectura, el cine y la pintura’, una actividad que continuará a lo largo de este martes.

Por LAURA FRAILE
(ultimocero.com)

José Luis Guerín (Barcelona, 1960), director de obras como `Los motivos de Berta´, `Souvenir´, `Innisfree´, `Tren de sombras (El espectro de Le Thuit)´, `En construcción´, `En la ciudad de Sylvia´ o `Guest´, acudió durante esta mañana a la Sala Negra del LAVA, en Valladolid, para impartir ante una veintena de personas un taller enmarcado en la programación paralela de la Semana Internacional de Cine (Seminci). La sesión comenzó a las 10.30 horas con una breve reflexión, motivada por el deseo de un cámara de televisión de querer grabar lo acontecido en esta sala. “Una de las cosas que nos enseña el cine documental es el de cómo va a incidir la presencia de la cámara en una situación que has creado. Ahí se establece siempre una relación de poder, así que el interés se centra en cómo gestionas ese poder que te da la cámara o en cómo sentimos ese abuso de poder”, indicaba José Luis a modo de apunte sobre esta situación.

Dicho lo cual, este cineasta procedió a presentar este taller ante la veintena de sus atentos participantes: “Me he propuesto pensar el cine desde el espacio. El cine es equivalente a una pugna con ese espacio. En todo esto, creo que no hay nada más inspirador que establecer un diálogo con la pintura y con la arquitectura. Los primeros cineastas no tenían un guión, sino que trabajaban con un pedazo de arquitectura. Por ejemplo, Chaplin o Buster Keaton pedían esto en lugar de pedir un guión. Ellos usaban un plató con un pequeño decorado que estaba constituido por una puerta y una ventana, y de esa arquitectura surgían sus piruetas”.

“El cine no son más que trozos de espacio y tiempo, así que pienso que no hay nada más inspirador que empezar pensando en la pintura para hablar de cine”, apuntaba más tarde José Luis Guerín, aprovechando la ocasión para hacer una crítica a la endogamia del cine y a su ensimismamiento producido por el excesivo enfoque en sus “estrellas”. “Hay que restablecer su pureza y el cine de verdad, que está más allá del mundo del cine, porque la peor amenaza que tiene el cine es el propio cine“, continuaba este director catalán más adelante.

La sesión de este lunes se convirtió en un reflexivo recorrido por varias imágenes pictóricas que José Luis Guerín fue analizando con detenimiento y verdadera pasión. La primera de ellas fue un cuadro de Edward Hopper, obra en la que una superficie blanca ocupaba el centro del encuadre. “¿Qué es esto? Para mí es una pantalla. Es una imagen que me recuerda a la teoría de la finestra aperta sul mondo, que es la idea sobre la que se construyó el cine, y con la que se busca crear un trampantojo. Éste fue el reto de los pintores renacentistas, consistente en crear una idea de relieve, una ilusión que pasara de la pintura plana a una ventana abierta sobre el mundo“, explicaba Guerín en relación a esta imagen.

A continuación se detuvo en una imagen religiosa pintada por Giotto, lo que le sirvió de excusa para compartir esta reflexión: “Cada vez que pienso en una película nueva pienso en cómo resolver los gestos. No hay nada más inspirador que los gestos de las manos y las miradas. En todo esto hay una fuga que me permite descubrir al artista”. El análisis de esta obra vino aparejado de un detenimiento especial en aspectos como el tratamiento de la luz en el arte románico y gótico, la distribución de los cuerpos en el espacio pictórico o la dimensión narrativa. “Podríamos hacer una sesión sobre esto, pero igual no se apuntaba nadie”, bromeaba José Luis al respecto.

Tampoco faltaron las alusiones al teatro, a cineastas de vanguardia como Manoel de Oliveira, a las relaciones entre la puesta en escena y la narrativa así como a las asociaciones visuales establecidas en la obra de Giotto. “En estas obras tenemos todo un caudal por explorar y desde donde reformular el cine”, apuntaba José Luis Guerín para finalizar su análisis de esta pintura.

Más tarde se detuvo en una obra realizada en el Renacimiento Flamenco, que este director escogió debido a la ubicación de una escena sagrada en un interior doméstico “burgués, realista y cotidiano”. “En esta obra se aprecia el gusto por los objetos y las texturas, como se puede ver en el agua y en la toalla, que en Flandes va a llevarnos hasta Vermeer como una forma de apogeo del misterio que tienen los objetos dentro de un cuadro“, comenzó indicando José Luis. A continuación se fijó en un detalle del cuadro, en el que se podían contemplar una serie de herramientas de un carpintero: “Esto es Rossellini en estado puro. Pueden verse hasta las virutas. Estamos ante un artesano con toda su nobleza de artesano, por mucho que esté fabricando una ratonera. A esto hay que añadir la profundidad de campo de esta obra, que permite ver a la población flamenca, los comercios y la morfología humana de la ciudad. Para mí este cuadro no se acabaría nunca”, terminaba reconociendo Guerín.

La siguiente obra analizada fue el `Retrato de Timoteo´, de Jan van Eyck, artista del que este director catalán resaltó el “orgullo de su arte” ya que, según afirmó, “lo hizo en un momento en el que la escultura tenía más prestigio que la pintura”. De este mismo pintor escogió una segunda obra, la de `El Matrimonio Arnolfini´, obra que analizó a partir de su ambiente doméstico y de sus objetos. “En este cuadro, van Eyck lleva hasta el final los objetos cotidianos justificados. Cada cual, desde los zuecos al fruto o el perro, tiene una doble o triple dimensión”, apuntaba al respecto José Luis Guerín.

Después continuaría con un Descendimiento de Rogier van der Weyden. “Es una imagen inagotable. Si la veo durante mucho tiempo acabado llorando. Es un diccionario de todas las emociones humanas. No se puede llegar más lejos con la puesta en escena“, afirmaba apasionadamente este cineasta al contemplar la imagen. “Tanto en la pintura como en el cine el pasado es una inspiración permanente, pero no para hacer lo que ya está hecho, sino para mirarlo con una mirada nueva”, reconocía un instante después. “Es un cuadro en el que cada gesto conduce al siguiente. Hay una socialización del dolor, pero en el fondo cada uno de los personajes está solo en un gesto de ensimismamiento solitario”, continuaba más tarde.

Los personajes de este cuadro generaron una nueva reflexión del cineasta: “Algún día me gustaría hacer una película sobre la discusión que habría entre el productor y el pintor de un cuadro, que son obras que se hacían tal y como se hace una película. ¿Dónde buscaba Caravaggio a sus personajes? Pues en los barrios bajos. Tiene dos Marías que en esa época eran prostitutas y llegó a pintar a santos que eran maleantes, alcohólicos o pescadores. Todo esto me recuerda a una película de Rosselini, la del Evangelio según San Mateo, en la que los actores no eran actores profesionales sino pescadores”, comentaba Guerín en esta primera sesión del taller.

Minutos más tarde, una Anunciación de Antonello da Messina le llevó a analizar la importancia de apostar por un cambio de enfoque. “Cuando veo una película, esta imagen me viene mucho a la memoria. Frente a tantas escenas miméticas, hay que apostar por ángulos y enfoques distintos. Hay decisiones sencillas que pueden transformarlo todo”, señalaba este cineasta a los participantes de este taller.

Este martes por la mañana tendrá lugar la segunda y última sesión de esta actividad, en la que Guerín tiene previsto hacer el mismo ejercicio de análisis pero sirviéndose, esta vez, de un conjunto de escenas cinematográficas.

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